Introducción a la música clásica:

Introducción:

La música es uno de los lenguajes espirituales que mejor define la cultura de un pueblo. Como lenguaje espiritual, la música absorbe el sentimiento de nuestra gente en sus canciones y bailes, y en los diversos géneros musicales que representan las diferentes sociedades que forman nuestra cultura.  La sabiduría popular reconoce la importancia de este lenguaje espiritual cuando expresa que : "La música es el alma de los pueblos", y que "un pueblo sin música es un pueblo sin alma". Es por esta razón que la música pertenece a una dimensión del hombre en donde se proyecta lo sublime, lo exquisito o lo trágico de nuestra existencia. La música pertenece al mundo del espíritu, o al mundo del alma, si es que esa es la verdadera dimensión que utilizamos para definir las cosas del espíritu.

Pero además de pertenecer a ese extraordinario y fascinante mundo de las emociones, la música resulta ser un lenguaje cultural,  ya que cada pueblo posee un modo particular de expresar los sentimientos y emociones con ritmos, melodías, armonías, instrumentos, y géneros musicales como lenguaje musical representativo de su cultura. La suma de estas dos definiciones la sabiduría popular la manifiesta elocuentemente cuando se refiere a Ruth Fernández (extraordinaria cantante popular) como "el alma de Puerto Rico hecha canción. "

De este análisis podemos concluir que cada género musical puertorriqueño representa un fragmento cultural de nuestra alma boricua, y que cada melodía, cada ritmo, son parte de nuestra alma cultural  hecha tradición.

El lenguaje de la música:

La música es un lenguaje tonal y rítmico cuyas características son muy parecidas al lenguaje hablado.  El lenguaje hablado posee diferentes estructuras para expressar ya sea prosodicamente o poeticamente las ideas.  En la poésía, el lenguaje se expresa utilizando estructuras poéticas como el refrán, la copla, la décima, o el soneto.  Estas estructuras de lo general a lo particular se subdividen en versos con pausas que se llaman cadencias, y cada verso se divide en palabras  metricamente organizadas en número de sílabas. La forma de organizar el pensamiento prosódico o poético es cultural.  La cultura latina utiliza coplas con versos octosilábicos, o hexasilábicos, o tetrasilábicos, pentasilábicos, o alenjandrinos. Existen estructuras de metros híbridos como la seguidilla que utiliza versos de siete alternados con versos de cinco sílabas. Estructuras poéticas contemporáneas pueden utilizar versos libres.

En el lenguaje musical se utilizan de la misma manera estructuras, formas,  o arquitecturas musicales para organizar el pensamiento musical.  Estas estructuras se organizan mas o menos como las estructuras poéticas y prosódicas.  La música poéticamente diseñada se estructura con frases  métricas muy similares al verso;   inclusive las frases musicales descansan en pausas que se llaman cadencias.  Cada idea musical se confecciona con motivos rítmicos que definen el pensamiento musical.  Cada pensamiento musical posée de manera organizada una serie de motivos y frases a los cuales le llamamos tema. Un tema, en términos lógicos y estéticos musicales no es otra cosa que un diseño sonoro basado en motivos creados por un compositor, o motivos musicales tomados de la tradición lingüístico musical de una cultura.

El ritmo organizado en glosarios de motivos musicales define no solo los temas de una composición, sino que define culturalmente el lenguaje nacional y cultural de un país.  Los motivos rítmicos nacionales definen, además de los temas musicales,  la forma o estilo de bailar, y definen además el nombre de muchos géneros musicales bailables.

En cierta manera, apreciar música no es otra cosa que aprender a identificar los motivos rítmicos que sirven como diseño estético del lenguaje musical.  Toda la lógica de la estética de una composición musical esta estructurada sobre el manejo artístico que la composición, sea clásica, folklórica, o popular hace con sus motivos y frases para crear temas.

Un motivo es una idea que aquí definimos como la unidad musical mas lógica de de cualquier composición musical.  El motivo es similar en el lenguaje hablado a una palabra.  En el lenguaje hablado, una palabra consta de diferentes letras; en música, un motivo consta de varias unidades rítmicas.  El ejemplo que sigue a continuación muestra como comienza el primer tema de la siguiente composición rítmica.  El primer tema denominado A, comienza con una primera frase compuesta de dos motivos, motvo 1, y motivo 2, compuestos de tres unidades sonoras:

Si el estudiante sabe como suenan cada una de las unidades rítmicas que componen los motivos musicales los temas musicales, puede aprender a leer de inmediato el lenguaje rítmico de cualquier composición. Siguiendo este método, no solo puede leer rítmicamente la composición, sino que puede descubrir, leer, oir, y ver, la forma de una composición.

En término generales las composiciones simples se hacen con uno o dos temas.  Las composiciones infantiles suelen tener un solo tema y se denominan monotemáticas.  Las composiciones que tienen dos temas se denominan binarias. Cuando las composiciones se hacen con dos temas repitiendo el primer tema como cierre de la composición se denominan composiciones ternarias.  La forma de sintetizar los temas de una composición es con letras.  Un solo tema o composición monotemática es A.  Una composición binaria, esto es de dos temas es AB. Una composición ternaria es ABA.

Los demás componentes de una composición musical estructurados sobre el ritmo (motivos rítmicos y frases) son la melodía y la armonía.  Estos motivos musicales son diseñados con notas a diferente altura que se acompañan con acordes que definen la armonía de una composición. Los acordes juegan un papel importantísimo en el diseño melódico, y rítmico de una composición ya que cada composición puede identificarse con  secuencias armónicas o grupo de acordes que se utilizan para producir diferentes estados de ánimo que distinguen cada pieza o composición musical.  Acompaña al diseño rítmico, melódico, y armónico de una pieza las dinámicas o juegos sonoros que definen la intensidad del discurso musical.  La forma de indicar estas dinámicas es con expresiones de fuerza o volumen como p igual a sonido piano (sonido de poca intensidad), f igual a sonido fuerte, y sonidos intermedios como el mp (mezzo piano), mf (mezzo forte), crescendo, diminuendo, pppp (pianisimo), y ffff (fortísimo).  Ejemplo de forma ternaria:

Existen formas de adornar musicalmente los temas con melodías secundarias llamadas contrapunto.  El contrapunto se define como el arte de combinar mas de una melodía.Existen muchos tipos de contrapunto como: el contrapunto imitativo, el contrapunto libre, y el contrapunto paralelo.  El contrapunto es uno de los recursos mas ricos y a la vez mas difíciles de dominar de los compositores.  Los grandes genios de la composición musical suelen ser grandes contrapuntistas. El manejo rítmico, armónico, melódico, y contrapuntístico de un compositor definen en gran medida la calidad artística creativa de este.  En cierta medida, una composición rica en estos elementos musicales creativos resulta ser el gran reto del intérprete quien tiene que comunicar al público el lenguaje musical de las obras artísticamente diseñadas por los grandes maestros de la historia de la música.  Estos grandes  maestros del diseño artístico del maravilloso lenguaje de la música dependen en gran medida del gran talento expresivo que desarrollan los grandes intérpretes de la música vocal, e instrumental que tienen que dominar las destrezas motoras y emotivas que se requieren  para poder proyectar el arte y ciencia de la emoción del lenguaje de la música.

Otro estilo de variación de un tema es la modificación del motivo rítmico.  Generalmete un tema puede irse variando melódica y ritmicamente pero sin afectar su estructura armónica fundamental.  A este estilo de variación o enriquecimiento temático se le llama "tema con variaciones" o TV.

Las formas simples monotemáticas, binarias, y ternarias son la base de composiciones mas complejas como el rondo que utiliza combinaciones temáticas como ABACAD, o diferentes combinaciones temeaticas de tres o mas temas. Cada época musical se reconoce por sus formas musicales distintivas.  El estilo barroco se reconoce por sus formas contrapuntísticas como lo son las invenciones, los canones, y las fugas, el estilo clásico por la forma sonata,  los temas con variaciones.  Durante elestilo romántico nacionalista se explotan mucho laas danzas nacionaales.  Muchas de estas danzas nacionales son ternarias, o de forma rondó.
 

RESUMEN DE LOS ESTILOS MUSICALES:

En orden cronológico los estilos tonales que mas se aprecian en los conciertos son: el barroco, rococó (conocido como el periodo galante), clásico, romántico, y romántico nacionalista. Los estilos atonales pertenencen al modernismo y aunque el tonalismo no se abandone, imperan en el comienzo del Siglo 20 el impresionismo (que es un estilo de transición hacia el atonalismo, el neoclasicismo, el estilo dadá, el atonalismo dodecafónico y el serialismo que se definen como música expresionista. Luego encontramos estilos como la música concreta y el desarrollo de la la música electroacústica, la música del azahar o de la improvisación denominada  música aleatoria, el microtonalismo,  el neo-nacionalismo, el neo-dadaísmo, el minimalismo, la tercera corriente (third stream) que mezcla elementos de la música de concierto clásico con el jazz, entre otras nuevas tendencias  (Véase la composición musical en Puerto Rico).

ESTILO BARROCO Y ROCOCO:

El estilo barroco es rico en adornos como trinos, mordentes, melismas, grupetos, juegos de melodías en contrapuntos imitativos, contrapunto libre, lleno de ritmos antifonales y responsoriales, recitativos, y fugatos.  En el barroco, aunque hay de todo, se distingue por la abundancia de géneros y recursos contrapuntísticos imitativos como la fuga  las invenciones, las sinfonietas, y los canones.  La riqueza musical barroca de todos estos elementos se puede apreciar  en las grandes formas de las obras como los oratorios y las óperas.  En estas obras se alternan recitativos, arias, corales, fugatos y otros juegos contrapuntísticos, asía como responsos y antífonas. Los compositores líderes del estilo barrocos, en orden de importancia son:  Juan Sebastián Bach (1685-1750), Jorge Federíco  Händel (1685-1759), y Antonio Vivaldi (1678-1741).  Su catálogo de composiciones es enorme.  Entre algunas de sus obras famosas están:  Bach:  Los Conciertos de Brandenburgo, 48 Preludios y Fugas, Invenciones; Händel: El Oratorio 'El Mesías'; Vivaldi: Las Estaciones.
 

ESTILO CLASICO:

La música del estilo clásico se extiende aproximadamente del 1770 al 1830. El estilo clásico ya exhibe géneros y característica muy distintas a la barroca.  Entre sus géneros mas importantes están la sonata, la sinfonía, y la ópera.  Domina como estructura principal la forma sonata allegro, luego el tema con variaciones, la forma minueto, y las formas ternarias.  El estilo clásico se caracteriza por los juegos dinámicos de sonoridades como el piano, mezzo piano, mezzo fuerte, el fortissimo, el crescendo, crescendo subito, diminuendo.  El piano (gravicembalo piano e forte),  es el instrumento característico de esta época.  Fue inventado por Bartolomeo Cristofori para sustituir el clavecín.  Para el piano se componen gran cantidad de sonatas y conciertos para piano y orquesta.  La orquesta clásica ya es mas amplia que la orquesta barroca y surgen la sinfonía, género instrumental  representativo de esta época. El compositor mas sobresaliente de este estilo es Wolfgan Amadeus Mozart (1756-1791). Son sumamente importantes Franz Joseph Haydn (1732-1809), y la primera época de Ludvig Van Beethoven (1770-1827). Las obras de estos compositores son abundantes y de extraordinaria calidad, especialmente las sonatas para piano, las sinfonías, y la música de cámara, incluyendo sus cuartetos de cuerdas.  Aparte de este grandioso repertorio pueden empezar con   la Sinfonía Num. 40 de Mozart, La Flauta Mágica y Don Giovanni, operas; La Sinfonía "La Sorpresa de Haydn"; las sinfonías 1-4, de Beethoven y sus sonatas Claro de Luna, y Appassionata.

ESTILO ROMANTICO Y ROMANTICO NACIONALISTA:

La música del estilo romántico domina durante el siglo XIX y para el 1850, debido a los cambios socio-políticos culturales ocasionados por la Revoluución Francesa,  es bautizado como movimiento romántico nacionalista en Rusia extendiéndose por toda europa.  Las características fundamentales de este movimiento musical son la fuerza expresiva de la emoción humana que se pone de relieve para expresar con música sentimientos derivados de la poesía, la naturaleza, y el drama del amor.  El romanticismo crece y se desarrolla dentro de la Revolución Francesa y los cambios musicales que surgen de este movimientos son consecuencia directa del nuevo orden social que impone la revolución para derrocar el viejo orden monárquico.  El nuevo orden establece una nueva hegemónica socio-política que establece como filosofía que todos los seres humanos somos iguales.  De esta filosofía emerge el hombre común como ente representativo socio cultural de las naciones europeas.  La sociedad cortesana queda relegada en un segundo plano y el símbolo de sencillez del hombre común campesino se convierte en estandarte representativo de los movimientos políticos e intelectuales del movimiento romántico.  Hay todo un renacer por la cultura popular y la base de esta cultura yace en el lore o saber campesino.  Es este lore quien va representar con sus leyendas, poesías, mitos, y sus danzas el orgullo nacional de los pueblos europeos.  Como parte de este nuevo sentimiento de orgullo nacional, Europa se lanza al rescate de sus danzas nacionales, danzas que se convierten en símbolo de identidad cultural y nacional de los pueblos europeos.  Es de este romance cultural que emerje en 1842 el término folklore,  creado en 1842 por William John Thoms, para definir las recien descubiertas culturas campesinas.  Los ingleses popularizan sus danzas campesina (country dances) y toda europa se lanza al rescate de sus danzas para de esa manera realzar su orgullo nacional como nueva definición cultural de los pueblos europeos., modalidad del Siglo 19 que es transplantada a toda America incluyendo sus pueblos del Caribe

De este movimiento emergen como compositores importantes Beethoven que en su Sinfonía Pastoral manifiesta  ese romance con lo pastoril, los campesinos, utilizando la contradanza en uno de sus movimientos de esta sinfonía.  Hay todo un paisajismo descriptivo en la música de esta Sinfonía Pastoral.  La música de esta obra constituye la  descripción  beethoveniana de una expresión de amor por el campo, lo pastoril, en armonía con el nuevo símbolo social europeo de este tiempo: el campesino.  Es el campesino puertorriqueño quien inspira además a  Manuel Alonso, costumbrista puertorriqueño, a escribir El Gibaro, obra puertorriqueña representativa de este movimiento.  Frederick Chopin, inluenciado por este movimiento compone mazurkas, polonesas, y valses para adestacar su amor por su pueblo polaco.  Brahms, también influenciado por el movimiento compone sus danzas húngaras.  Danzas, contradanzas, mazurkas, polkas constituyen la base de la definición musical y culutral de los pueblos.  El interés por lo nacional como definición cultral se importa a América.  Puerto Rico también tiene sus danzas nacionales que se ponen de moda. Alonso las define como Bailes de Garabato, bailes jíbaros, y Bailes de Sociedad.  Como parte de este romance nacional, es que emerge La Borinqueña como danza representativa de identidad nacional puertorriqueña.  Al descubrirla como sentimiento definitorio de lo nacional, Lola Rodríguez de Tió le cambia sus versos románticos, por unos versos bélicos románticos nacionalista para convertirla en himno revolucionario y acomodar así la revolución de Lares a los movimientos liberacionistas revolucionarios del Siglo 19 Luego siguen los compositores puertorriqueños danzistas como Juan Morel Campos, Manuel G Tavárez, y José Quintón, y los compositores  seguidores de este trío, quienes nos van a dejar un legado histórico de obras representativas de este movimiento romanticismo-nacionalista puertorriqueño.
 

EL IMPRESIONISMO Y MODERNISMO

Luego sigue el impresionismo representado por dos grandes genios franceses que son Claude Debussy y Maurice Ravel.  Aunque ambos desarrollan un nuevo lenguaje musical, el toque del espíritu romántico nacionalista queda como fuerte influencia fuertemente marcada por esta época romántica nacionalista de la cual no nos vamos a poder desprender por mucho tiempo. El impresionismo se caracteriza sin embargo por el rompimiento con el sistema tonal, estilo basado en las escalas mayores y sus escalas relativas menores incluyendo su disciplina armónica y contrapuntística como base estética de composición.  La nueva ciencia musical de la composición immpresionista explora escalas distintas como la pentáfona, y crea hibridismos de escalas y armonías bitonales,  coquetea con escalas y modos hexáfonos, y hasta utiliza elementos armónicos tritonales.  Con el impresionismo se abre la puerta para una nueva experimentación armónica de donde surge el jazz.  De la armonía derivada de la escalas pentáfonas surge la armonía quintal y sus inversiones derivadas en armonía cuartal. El impresionismo gradualmente rompe con las reglas convencionales de la armonía vieja tonal clásica y sus conceptos estéticos de resolución de disonancias y resolución estética de quintas y octavas paralelas y ocultas.  Sus nuevas armonías bitonales producen una especie de éxtasis, un estado de ensoñación exquisita, y otros recursos armónicos que encantan y estimulan un mundo nuevo de fantasías post románticas, viajando a otros mundos musicales y culturales distintos a los europeos.  Shéhérazade de Maurice Ravel (1875-1937) es un ejemplo de esta nueva experimentación armónica. Claude Debussy es otro genio de este nuevo estilo (1862-1918).  Sus obras La mer, Prelude à L'après-midi d'un faune, y Images son obras extraordinarias y que todos estudiante debe explorar.

El modernismo:  El atonalismo y la música contemporánea:

El impresionismo produce una apertura para el modernismo del Siglo 20 con nuevas y mas atrevidas tendencias sonoras.  Hay como especie de búsquedas de nuevos lenguajes musicales.  En ocasiones las nuevas tendencias acusan un caos expresivo y depresivo en todos los órdenes.  La Revolución Francesa practicamente ha dejado turuleto a medio mundo que comienza a organizarse bajo nuevas tendencias sociales en guerra con las viejas tendencias aristocráticas y cortesanas. Dentro de esta ruptura con lo cortesano y el surgimiento de un nuevo orden social popular, nos sorprenden dos guerras mundiales en 1917 y luego en 1939 para abonar al caos que crea la nueva estructuración del nuevo orden social creado por la Revolución Francesa.  Ya para la segunda guerra mundial las depresiones sociales, el miedo a la muerte, a los bombardeos, los black outs, crean días grises, y noches tensas.  El atonalismo musical dodecafónico y serialista es la mejor respuesta emotiva para expresar el mundo caótico y depresivo a nivel mundial. En un lenguaje surealista, este estilo denominado expresionista le pone los pelos de punta a cualquiera,  de manera que nadie puede resistir la fuerza gris de esta música que surge del mundo obscuro del hombre.  Los compositores de esta época invierten la matemática expresiva anterior y hacen negras maravillas con la nueva música del Siglo 20 para dramatizar el caos destructivo interno del hombre que amenaza con destruirse el mismo y a todas las sociedades en su afán de aplastar al contrario para conseguir su máximo objetivo: el poder político a nivel mundial.  Bela Bartok, Paul Hindemith, Igor Stravinsky (1882-1971), Arnold Schoenberg (1874-1951), Alban Berg (1885-1935), Anton Webern (1883-1945) son compositores representativos de esta época gris.  Richard Strauss (1864-1949, grandioso, poderoso en su estilo, parece un oasis musical en este desierto de desolación espiritual.

Todo este cuadro caótico comienza a declinar después de la bomba a Hiroshima.  Ya para los años cincuenta (1950) comienza de nuevo otro ciclo que trata de rehacer todo los fragmentos dejados por las dos guerras mundiales.   Todo ese mundo roto en pedazos se trata de reconstruir en estilos de música fragmentada.  Del arte fragmentado va surgiendo el collage tratando de organizar logica y musicalmente  la fragmentación y el desorden  recogido del cuadro caótico que nos legó la primera mitad del Siglo 20,  periodo conocido como el dadaísmo a partir del 1915.  Luego de la guerra del 1939 ya las nuevas tendencias de un mundo musical en los años del 1950 tratan de crear un arte nuevo o de neo expresiones compuestas de elementos viejos y clásicos con nuevas experimentaciones sonoras. Los años del 1960 crean una moda o estilo nuevo de buscar lo neo traducido en vanguardismo.  Para muchos el vanguardismo es mera experimentación artificial cuya razón de ser es el desorden mismo, el sonido raro, la falta de lógica, y un idioma carente de mensaje.  Surge así un neo-dadaísmo como negación de la emoción  de la música que amenaza la razón misma de la música como arte y ciencia de la emoción.  La experimentación sonora se mezcla con la nueva tecnología electroacústica. Se desarrolla dentro de este segundo caos de búsqueda de un lenguaje conciertos de meros sonidos grabados y procesados cientificamente.  Dentro de ese "se busca un idioma musical" el ridículo se yergue como el arte de expresar gestos y sonoridades como nuevo idioma artificial de la música. En los tropiezos hacia una nueva expresión de modernismo musical artístico muchos compositores confunde la razón y la lógica expresiva y estética de la música con la moda de la experimentación.  Se experimenta con la casualidad, con lo que salga, con disonancia, y se imitan los nuevos sonidos electroacústicos, y sonidos grabados  y procesados tecnologicamente.  De ese caos surgen 'serios' devotos del caos y 'serios' charlatanes del caos que hacen una 'escuela vanguardista contemporanea' que asusta a los nuevos talentos y los amenaza con lo que tienen que ser y hacer para poder clasificarse como nuevos compositores.  Jamás el mundo intelectual musical tuvo tantos detractores.  Todavía en los albores del Siglo 21 contamos con la herencia del mundo de las post guerra que dejó un ambiente para una cosecha de compositores  con falta de creatividad y genio.  El reto del Siglo 21 es la reconstrucción de los fragmentos dejado por la herencia nefasta del expresionismo y la artificial creatificad de un vanguardismo que sí nos dejó un nuevo lenguaje matematicamente definido:  El lenguaje del caos; y el lenguaje del mal, y el lenguaje de la frivolidad.  Ese lenguaje del caos nos sirve para expresar lo mas horrendo del ser humano:  La destrucción del ser y lo que nos rodea, la destrucción del alma, y la destrucción de la sensibilidad humana.  Ese lenguaje caótico,  frívolo, frío,  carente de emoción y sensibilidad es parte del libreto que bien orquestado servirá para reconstruir la amarga herencia de injusticias y sabor amargo que sirve de reto al nuevo hombre y la nuevas civilizaciones emergentes en el Nuevo Siglo 21.y que deberán expresarse en el lenguaje de las emociones:  La música del Siglo 21.